HÉLÈNE NGUYEN-BAN, OU L’ART COMME IDENTITÉ

ENTRETIEN FRANCOIS CROISSY
PHOTOGRAPHIE GUILLAUME DE SARDES

Hélène Nguyen-Ban est de ces collectionneurs qui préfèrent vivre parmi les œuvres plutôt que de les entreposer dans un coffre. Peut-être parce que les tableaux, sculptures, photographies et vidéos dont elle s’entoure depuis quinze ans offrent à cette nomade un environnement stable.

Née d’un père vietnamien et d’une mère alsacienne, Hélène Nguyen-Ban a passé son enfance en Afrique, entre la Côte d’Ivoire, le Togo et le Cameroun. Esthète, elle a très tôt travaillé dans le domaine du luxe, en tant que directrice du prêt-à-porter femme au sein du groupe LVMH, puis directrice du style et de l’image de Nina Ricci.

Son goût de l’art l’a aujourd’hui rattrapée, puisqu’elle vient de co-fonder une galerie d’art, sise à la place de celle d’Yvon Lambert. VnH gallery reflète son parcours international, et dans le choix des artistes qui sont de multiples nationalités et dans celui de sa ligne : défendre des artistes majeurs issus des pays émergents, et des artistes émergents vivant dans des pays majeurs.

Mais c’est pour parler de sa collection privée qu’elle nous reçoit aujourd’hui dans son vaste et lumineux triplex du 7^e arrondissement de Paris. Une demeure qui lui ressemble : d’une sophistication tendant à l’épure.

Vous venez de fonder VnH gallery, qui est consacrée à l’art contemporain. En tant que collectionneuse, vous ne vous limitez cependant pas à cette période.

Il me paraîtrait dommage de devoir renoncer à une œuvre qui me touche sous prétexte qu’elle n’appartiendrait pas à une période déterminée. Une œuvre témoigne de son temps, mais cela ne l’empêche pas de continuer de faire sens des années, des décennies plus tard. Chaque génération de critiques, d’amateurs, de collectionneurs relit l’histoire de l’art à partir de ses propres préoccupations. Par exemple, les deux petits bronzes que j’ai de Camille Claudel et d’Auguste Rodin peuvent être regardés d’un point de vue historique, disons celui de l’histoire des formes ; mais on peut également s’y intéresser à partir de la problématique contemporaine du corps. De ce point de vue, j’avais été intéressée par le parallèle que les trois commissaires de l’exposition « Mapplethorpe Rodin » (8 avril-21 septembre 2014 au Musée Rodin) avait fait entre les deux artistes.

Essayez-vous de construire un tel dialogue à travers votre collection ?

L’idée de dialogue me plaît. Je choisis d’abord une œuvre pour elle-même, mais je réfléchis ensuite, au moment de l’accrochage, aux rapprochements possibles. Dans mon intérieur, les œuvres dialoguent bien les unes avec les autres.

Votre collection vous paraît-elle cohérente ?

Oui, au sens où elle est sous-tendue par deux questions : celle de la religion et celle de la beauté. Ces deux questions étant elles-mêmes reliées au problème plus large de la transcendance. La Cène (œuvre intitulée Black Supper I-V) d’Andres Serrano est un sujet religieux, je dirais presque « par excellence », tandis que la vidéo Isolde’s Ascension (The shape of Light in the Space After Death) de Bill Viola porte elle à l’introspection, à la méditation. Jean-Baptiste Huynh et Robert Mapplethorpe s’intéressent eux à la beauté : pour le premier, elle relève du mystère, de la fragilité, de l’instant ; pour le second, elle tient davantage de la plastique, presque de l’abstraction. On voit que ces quatre artistes, pour différents qu’ils soient, partagent les mêmes questionnements.

Les œuvres que vous rêveriez d’avoir entrent-elles dans cette typologie ?

Bien sûr ! C’est le cas par exemple de « Décor » d’Adel Abdessemed, appartenant à la collection de François Pinault, qui est directement inspirée du Christ en croix du retable d’Issenheim. Adel Abdessemed a substitué à la chair pénétrée par les épines chez Grünewald un corps constitué de fils de fer barbelé, instrument et symbole de la violence contemporaine.

Vous semblez apprécier les œuvres suscitant l’ « intranquillité », pour reprendre le mot de Pessoa.

Cette notion d’ « intranquillité » est peut-être bien l’autre ligne que j’ai suivie pour constituer ma collection. On la retrouve chez Anselm Kiefer, dont l’œuvre est dominée par un sentiment de perte, une mélancolie et la conviction que la mémoire des désastres doit être préservée. Erwin Wurm dénonce lui un monde dominé par l’argent – que ce soit le monde du travail, de la mode ou de l’art.

Une autre caractéristique de votre collection est qu’elle fait une place importante à l’art chinois, et plus largement asiatique.

Vous avez raison de parler cette fois de caractéristique, au sens d’une particularité, plutôt que de ligne. Je n’ai jamais voulu faire une collection d’art asiatique. Je ne choisis pas une photographie d’Hiroshi Sugimoto ou une peinture de Zao Wou-Ki parce que la première est l’œuvre d’un japonais, la seconde d’un chinois, mais à cause de leur profondeur, de leur manière de pousser le regardeur à l’introspection. Si l’art contemporain asiatique est aussi bien représenté, c’est que je voyage beaucoup en Asie, notamment à Hong-Kong. Il est possible aussi que les artistes de cette région aient une sensibilité particulière qui me touche. La peinture traditionnelle chinoise est très méditative. Il est naturel que les artistes contemporains chinois, qui sont imprégnés de cette culture, en aient gardé quelque-chose.

Il ne faut cependant pas tomber dans la généralisation paresseuse. Aujourd’hui, les artistes voyagent au gré des expositions ; parfois ils quittent leur pays d’origine. Zao Wou-Ki a passé l’essentiel de sa vie en France. Il a même été naturalisé dans les années soixante. Reste-t-il un peintre chinois ? Est-il devenu complètement français ? La question est difficile à trancher. À mes yeux, il prolonge dix siècles de peinture chinoise au sein de l’abstraction lyrique. Un métissage qui m’intéresse et me touche, car il pose en creux la question de l’identité. Une question à laquelle je suis confrontée moi-même étant issue de parents de nationalité et de culture différentes.

À l’inverse de Zao Wou-Ki, il y a son ami Pierre Soulages, dont j’ai la chance de posséder deux toiles. Lui est indubitablement un peintre français. Pourtant ses œuvres font signe vers la calligraphie chinoise. Il a d’ailleurs dit à propos de ses brous de noix quelque-chose comme : « J’ai fait des combinaisons de lignes qui se présentent aux yeux du spectateur comme une grande forme, un grand signe. Et je me suis aperçu un beau jour que les dessins que je faisais pouvaient rappeler les signes chinois. » Lire une œuvre à travers les influences qui la traversent m’intéresse davantage que raisonner en terme de nationalité !

Vous semblez entretenir un rapport très intime avec les pièces qui composent votre collection. Quel est votre rapport avec les artistes qui en sont les auteurs ?

Je les ai tous rencontrés au moins une fois, à l’exception des artistes chinois. Certains sont devenus des amis. Mais connaître un artiste est moins important à mes yeux que connaître son parcours artistique, du moins si je me place dans la perspective du collectionneur. Avant d’acquérir une œuvre, je me documente, je regarde dans quelle suite d’œuvres elle s’insère, et je tente de la situer par rapport à celle-ci. Un grand artiste, quel que soit son domaine, produit en général plusieurs chefs-d’œuvre. C’est vrai de Mozart, de Picasso, aussi bien que de Mick Jagger ! Ce sont ces œuvres-là que je cherche à déceler et à acheter. Je ne veux pas posséder un « nom », mais une photographie, une vidéo, une peinture qui d’une part m’émeuve et d’autre part m’intéresse intellectuellement.

J’évoquais un rapport intime, vous parlez d’émotion. Est-ce la même chose ?

Absolument, au sens où j’ai l’impression d’entretenir un rapport de proximité avec les œuvres qui m’émeuvent. Les questions qu’elles posent sont aussi les miennes. Par exemple, la première peinture que j’ai acquise, il y a plus de quinze ans, est un portrait de Zhang Xiaogang tiré de sa série « Bloodline ». Il s’agit d’un travail sur les portraits de famille chinois. Sur tous les visages, l’artiste a peint la même tache de naissance qui signifie les liens du sang. L’identité, la filiation s’inscrivent ici dans la chair même, de la même manière que mon visage n’est ni tout à fait vietnamien (comme mon père), ni vraiment français (comme ma mère).

J’imagine que vous choisissez seule d’acquérir telle ou telle œuvre…

Mon rapport à l’art est si personnel que me faire conseiller n’aurait guère de sens. C’est d’ailleurs grâce à mon parcours de collectionneuse que je peux aujourd’hui ouvrir une galerie. Car il m’a obligé à exercer mon propre jugement, et a apprécier une œuvre à la fois pour elle-même et dans son contexte.